以《海鸥》与《仲夏夜之梦》两部著作接连两年在北京人艺国际戏曲约请展中引起激烈重视的格鲁吉亚导演大卫·多伊阿什维利，拿手以共同的舞台出现与奇妙的解读视角重构国际经典。为了留念焦菊隐诞辰120周年，北京人艺特邀大卫导演，为剧院执导了由焦菊隐先生翻译的契诃夫名剧《樱桃园》。这场跨越国界的艺术协作，成为北京人艺跳出舒适区的一次英勇实践。

  北京人艺对经典剧目的演绎，历来以尊重原著、深挖文本肌理著称，但也不免构成相对固定的阐释范式。大卫导演打破这种“途径依靠”——他并未推翻《樱桃园》的故事主体结构，却精准捕捉到文本中被疏忽的普世出题，将“樱桃园”从物理意义上的19世纪俄国贵族庄园，升华为“每个人的幼年与曩昔”的精力标志。这种解读剥离了地域与年代的隔膜，让今世观众看到本身对过往的留恋、对离别与重生的苍茫，完成了经典与当下的深度对话。

  扮演方式上，导演将俄罗斯戏曲系统的情感表达张力与欧美戏曲的前锋体现力熔于一炉，为北京人艺的扮演注入了全新生机。在这版《樱桃园》中，满台的肢体表达、激烈的心情磕碰，以及“闹剧感”的精准营建，跳出了人艺了解的扮演语境。剧里面的人物的孤单与无视被扩大，许多时分，所有人都在各说各话，声响交错堆叠，无人真实倾听。这种对人道隔膜的极致出现，既忠于契诃夫原著的精力内核，又以更具冲击力的方式，戳中了今世人情感疏离的痛点。艺人还常常冲下舞台，在观众席中扮演；即时拍摄与多媒体的结合，让镜头聚集艺人纤细的心情，而且表达出更丰厚的人物联系。这些打破传统观演联系的办法，增强了舞台的体现力与观众的沉溺感。

  这版《樱桃园》的舞美与妆造十分拔尖，以符号化、现代化的规划言语，构建了一个既具视觉上的冲击力又富含隐喻的舞台空间。歪斜的地板，滑动的椅子，倾盆的暴雨，夺目的灯火，都极具视觉上的冲击力；粉笔画与投影技能的结合更是点睛之笔，打破了实际与虚幻的鸿沟。第一幕世人勾勒门窗树木，留恋“回不去的旧韶光”；第四幕粉笔痕迹延伸至整个舞台，寄予对“新未来”的虚妄梦想；终究满台好像呼吸般的花朵，更是让契诃夫笔下的迷惘与留恋，化作轻盈又厚重的诗意神话。杜邦纸原料的服装不只兼具质感与实用性，禁得起艺人各种肢体表达的折腾；其黄、白、灰、黑四色递进的规划，也构成了激烈的标志系统——从秋日收成的昌盛到冬日的萧索，再到初春的虚妄与终究的完全逝世。这些充溢诗意哲思与今世感的规划，突破了北京人艺舞台常见的写实舞美风格，给观众带来了耳目一新的视觉感触和心灵震慑。

  在这样的舞台上，北京人艺的艺人们放下了了解的扮演范式，尝试以导演的创造思路和表达风格，将人物的心里挣扎与人道对立经过极具爆发力的扮演传递给观众。尽管这样的扮演风格与他们长时间遵从的斯坦尼式体会派扮演办法截然不同，现在艺人们的扮演状况还未能都到达真实的收放自如、张弛有度；有些习气人艺以往舞台风格的观众也不太习惯这样的体现方式，但北京人艺这种跳出舒适区的勇气与实践值得必定。当艺人们在体能与心智的两层应战中探究新的扮演言语，人艺的扮演系统也获得了成长的或许。

  大卫导演的才调与构思众所周知，但他的几部著作看下来，也会发现其间存在的一些问题。比方一些层出不穷的体现手法重复性运用太多，在对全体节奏把控上有时显得磨蹭；对剧目和人物的了解诠释上虽有独特的诠释，但有时短少必要的逻辑。他的著作更适合于对原著十分了解的观众，会从中发现许多推翻或重构的趣味，但对不清楚原著情节人物的观众，简单看得一头雾水，没办法了解导演真实想要表达的东西。但北京人艺作为我国话剧的标杆，不甘于沉溺于老练创造范式构成的舒适圈，而是以《樱桃园》为关键，自动拥抱多元文明视角与前锋艺术表达，显示了人艺在经典重排中寻求内生动力的自觉。由于一座剧院的生命力，既在于对传统的据守，更在于对立异的容纳。